LOMO生产的LC-A相机

上世纪90年代初，一群游客偶然在俄罗斯的一家老相机店买了一台LC-A相机，他们发现这台相机冲洗出来的粗糙照片意外得很“特别”。于是，LC-A在被生产了十多年之后突然开始流行起来。

Lomography公司顺势成立，它代理了LC-A相机的销售业务，并且自己也生产各种各样的玩具相机，在世界各地开设分店，真正开始让“LOMO”这个词受大众所熟知，并使它成为了一种摄影风格的代名词。

Lomography公司Logo

小巧可爱的玩具相机也算潮物了

LOMO摄影是什么？

那么，所谓的“LOMO风”究竟什么样的风格？如果“LOMO摄影”指的是“使用LOMO相机拍摄的摄影作品的统称”的话，我们很容易就可以找出许多特征：色彩艳丽、对比度高、暗角、颗粒感等等。实际上，这些表面上的特征可以说都是因为当初的LC-A的设计缺陷而产生的。

颗粒感、色块 (by maria_vlachou)

以暗角为例，因为镜头本身的质量问题，加上L-CA的镜头是内缩的，所以在大光圈下镜头的边角很容易出现受光不足的现象，因此在照片的四角会出现圆弧状由深至浅的黑色“暗角”。

弧状暗角 (by hervinsyah)

高饱和度、高对比度、颗粒感强，也多半是因为早期的廉价胶片感光成像不均匀造成的；失焦画面抖动就更不用说了，这在“传统摄影”中显然是照片的致命问题。那么，为什么有着这些“问题”的摄影作品会如此流行？LOMO摄影作为一种广义的摄影风格，其实质究竟是什么？

抖动失焦 (by hervinsyah)

LOMO摄影和传统摄影

也许我们可以先来看看什么叫传统摄影：这里，我们姑且将其理解为“类型摄影”，比如说建筑摄影、人像摄影、风光摄影等等。

风光摄影，沙漠的纯净之美 (by flcl)

我们经常可以在各类网站上看到这些精美的类型摄影作品，这些作品无一不体现了与上述LOMO摄影相反的特征：曝光、对比度、饱和度正确，对焦精准、画面稳定等等。因为这些特征，我们自然而然地会把关注点放到被摄主体上，比如一栋建筑或者模特的脸等等。

图中的人物为视觉焦点 (by flcl)

总之，在类型摄影当中，重要的是拍摄的内容也就是被摄主体，摄影只是呈现这些被摄主体的手段。我们甚至可以说，类型摄影的价值很大一部分是来自于被摄主体，类型摄影的张力依随与被摄主体的张力。在类型摄影中，虽然不同摄影师有着各自独有的特点，但是他们一致的目标是在摄影作品中隐藏自己的痕迹，使观众的注意力完全放在被摄主体身上。

这幅作品不属于典型的类型摄影，但是它的克制与冷静使我们无法在其中找到摄影师的痕迹。(by Toshio Shibata)

然而，LOMO摄影似乎是对传统摄影的否定：LOMO摄影的价值并不依随于被摄主体的价值——这似乎是LOMO摄影中经常以日常不起眼的事物作为拍摄主体的原因。

日常 (by hervinsyah)

LOMO摄影师的目的也不是在摄影作品中隐藏自己，而是极力使用各种摄影手段彰显自己的存在：过度饱和、强烈反差、虚焦抖动的画面会呈现出类似色块拼贴的效果，这与我们的日常视觉经验相差甚远，因此观众在观赏这类摄影作品的时候关注更多的是作为整体的摄影作品，而不是其中的被摄主体。

光洁的地面、柔软的桌布、还有记不清面孔的老妇人。 (by Andrei Tarkovsky)

实际上，这类画面与我们脑海中的模糊记忆所呈现的画面很相似。试着回忆一件年少时对自己产生过很大影响的事情。因为太过遥远，我们显然记不清事件发生的每个细节，但是我们往往记得某个具体事物的细节：比如一个玻璃杯冰冷“坚硬”的反光（父母离婚？），或者咖啡杯温暖粗糙的表面（初恋？）。

闪烁的松针让人感觉异常尖锐 (by maria_vlachou)

我们记不起来这些事物具体的样子，但是我们熟悉它的质感和色彩，它们很容易让我们重温当时的情感。而这两点也恰恰是LOMO摄影作品的核心。因而我们可以这样说：LOMO摄影是一种着重于表现摄影师私人心境与情感的摄影风格。

LOMO摄影与艺术史

也许我们可以用绘画中的印象主义与之类比。印象派一开始也是对传统绘画（现实主义浪漫主义等等）的否定——印象派强调如何画，而不是画什么。因此，早期印象派作品中的主体都是日常生活中不起眼的事物，比如草堆、池塘之类。画什么并不重要，重要的是画中的主体通过光和眼睛映射到画家脑海中的印象。

Camille Pissarro《Boulevard Monmartre in Paris》, 1897年

而到了后期印象派（实际上类似于表现主义），画家除了直接呈现自己的视觉感知以外，还强调自身的情感。因此，他们的用色越来越大胆，画中的主体也被扭曲、异化。他们呈现的是自己内心中感受到的主观的印象。

Henri Rousseau《A Carnival Evening》，1886年。亨利·卢梭没有接受过正统绘画训练，他质朴幼稚的风格似乎恰好可以与LOMO摄影强调的自由随性联系起来。

Kandinsky Wassily《Impression III (Concert)》，1911年。康定斯基是抽象表现主义的代表人物，他用纯粹的形状和色彩来表现自身的“内在需求”。如果把LOMO摄影的风格发展到极致，大概画面中就也只剩下分辨不出形体的线条和色块了。

LOMO摄影与当代艺术

与抽象表现主义一样，LOMO摄影也强调作者的主观情感。因此，在带有表现主义倾向的当代艺术家中，我们可以找到许多使用LOMO摄影风格进行创作的艺术家：荒木经惟、森山大道等摄影师的许多作品中都带有强烈的LOMO风格。

色彩饱和的欲望之花 (by Araki Nobuyoshi)

阿彼察邦的许多影像艺术作品直接使用数码LOMO相机拍摄，这种粗糙模糊的风格恰好与他一直以来偏爱的母题——记忆与神秘，完美地融合了起来。

Apichatpong Weerasethakul《Memoria, Boy at Sea》， 2017年

如何拍出优秀的LOMO摄影作品？

现在我们来讨论一些实际问题。显然，LOMO摄影中最重要的是摄影师自身的“心境和情感”，这是LOMO摄影中一切的出发点。

窗外的孤独风景(by Moriyama Daido)

那么，假定我们此时此刻已经有了某种亟待表达的情感，我们如何通过LOMO摄影将其呈现出来呢？请注意以下几点：

构图方面

第一人称视角有很强的主观性，有助于营造私人氛围。在画面中构建画框会使人产生眺望的感觉，有助于创造第一人称视角；直接从窗户向外拍摄并保留一部分窗框，是最直接的做法。或者，摄影师可以借助现实中各个物体的边缘来搭建一个虚拟的画框。

贯穿上下的栏杆既是现实中的“窗框”的一部分，又分割画面构建了画框，加上有点倾斜的构图，营造了极佳的主观感。 (by hervinsyah)

色彩方面

使用滤镜有助于呈现出夸张的色彩。根据拍摄的主题选择不同风格的滤镜可以直接渲染画面的情绪。一般来说，以蓝色为主的冷色调往往倾向于静止、压抑；而以黄色为主的暖色调则往往倾向于运动、活跃。

绿色滤镜强化了画面中的粘稠与污浊 (by maria_vlachou)

质感方面

体现画面质感最直接的方法是突出光的存在。逆光拍摄会带来最强的反差，它遮蔽了被摄物体的同时也突出了光的存在。长曝光、多重曝光、画面适当抖动、虚焦可以模糊被摄物体的轮廓，从而直接呈现光线。

长曝光 (by hervinsyah)

逆光 (by hervinsyah)

不过归根结底，上述方法只是一些小技巧，在进行LOMO摄影的时候不必拘泥于这些技术性的细节，毕竟最关键的还是在于摄影师的内在情感。正如康定斯基所说的：“色彩是琴键，眼睛是锤子，而心灵则是钢琴的琴弦。”LOMO摄影是自由的。

物体轮廓模糊(by flcl)

文中部分摄影作品来自hervinsyah与maria_vlachou。hervinsyah是一位来自印尼万隆的摄影师，maria_vlachou是一位来自希腊卡斯托里亚的摄影师。摄影作品的使用均得到了他们的许可。

hervinsyah的lomography主页：http://www.lomography.cn/homes/hervinsyah,；

maria_vlachou的lomography主页：http://www.lomography.cn/homes/maria_vlachou；

里面收集了两位摄影师许多优秀的LOMO摄影作品。

其他部分图片来自本文作者 (flcl)，其余图片均来自网络。

[编辑、文/王佚凡]

[ 监制/齐超]

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